Heykel

MÖ 4. binyıla ait antropomorfik stel El-Maakir-Qaryat al-Kaafa'dan; Ulusal Müze , Riyad

Heykel , katı malzemelerden oluşan üç boyutlu heykellerin yapıldığı ve yaratıldığı güzel sanatlar türünü ifade eder .

Terim ve eş anlamlıları hakkında

Bir rağmen heykeltıraş olan aslen taştan yaptığı heykeller darbelere usta terimi heykel edilir şimdi sanatın tüm fiziksel olarak şekillendirilmiş, görsel olarak algılanan çalışmalar için genel bir terim olarak kullanılmaktadır. Heykel ve heykel jenerik terimleri aynı anlamda kullanılmaktadır . Heykel ve plastiğin temel anlamı ise tek bir sanat eseridir.

Kelimenin tam anlamıyla veya daha dar anlamda, ayırt edilebilir: Bir heykel , yumuşak malzemeyi "uygulayarak" ve onu içten dışa doğru inşa ederek yaratılırken , bir heykel sert malzemeyi kırıp keserek yaratılır . Böyle bir ayrım gerçek dil kullanımında nadiren yapılır, ancak iki terim ağırlıklı olarak eşanlamlı olarak kullanılır (bkz. plastik ).

Heykel terimi aynı zamanda bir tür olarak heykeli tanımlayabilir, ancak daha çok aktivitenin manuel veya profesyonel yönüne atıfta bulunur. Heykel , heykel için modası geçmiş bir terimdir.

Malzeme ve şekil hakkında genel bilgiler

Başlangıç malzemeleri, heykeltıraşın çalışma tekniklerini belirler. Çalışmanın amaçlanan işlevine bağlıdırlar ve şeklini ve anlamını etkilerler. Çok çeşitli materyaller tarih boyunca resimsel eserler olarak hizmet etmiş olsa da, bazı tercihler ve gelenekler hala tespit edilebilir. Metaller arasında klasik malzeme kalıcı bronzdur. Ahşap ve kemik, üretici için daha ucuz seçenekler iken, taş ve seramik, dayanıklılık açısından neredeyse ondan daha düşük değildir. Çekirdek ve yüzey farklı malzemelerden oluşabilir: Yunan mermer figürlerinin ve diğer antik heykellerin hepsinin boyandığını ve mikroskobik kalıntılar dışında genellikle kaybolduğunu biliyoruz. Antik bronzlardan bazıları yaldızlıydı. Oyulmuş ortaçağ kült görüntüleri bazen altın çarşaflara sarılırdı. Aksi takdirde, ahşap heykel Rönesans'a kadar boyandı ve bu versiyonlar da anlayış eksikliği veya zevk nedenlerinden dolayı sıklıkla kaldırıldı. Uzun yıllardır, heykeltıraşlar yeni yollar ve yeni malzemeler arıyorlar, genellikle bir üretim ve kullanım sürecinden geçmiş ( hazır ) veya doğa tarafından önceden oluşturulmuş ( Kara Sanatı ) unsurlara başvuruyorlar . Çağdaş sanat, genellikle heykele atfedilen bir dizi geleneksel olmayan medya üretti: ses ve ışık heykelleri, montajlar, kolajlar , asamblajlar , ortamlar , yerleştirmeler , kinetik heykeller ve diğerleri.

Önemli bir resmi tanımlama, plastisite derecesi ile ilgilidir. Böylece bir heykelde yuvarlak veya serbest duran heykel , bize göre. B. halka açık yerlerdeki anıtlarda karşılaşılan, her yönden bir görünüm için tasarlanmış bir resim, tam bir heykelin yine de kabartma zemin veya duvarla bağlantısı olabilir . Bundan bağımsız olarak, blok benzeri, kapalı, kendi kendine yeten hacimler ve aradaki boşlukları çevreleyen geniş, bulanık gövdeler arasında tüm tasarım çeşitleri mümkündür. Plastik kaideler, kaideler , konsollar , saçaklar , nişler , çardaklar ve diğer mimari elemanlar belirli bir ortama bağlanmak veya vurgulamak için kullanılır . Rölyef söz konusu olduğunda, tamamen yuvarlatılmış detaylarla çalışan oldukça yükseltilmiş yüksek rölyeften, ressam görünümlü kısmaya, hatta eski Mısırlıların negatif rölyefine kadar, zeminden yukarıya tüm yükseklik dereceleri mümkündür. Sanat. Kabartma, figür grupları ve anlatı temsilleri için ortak bir ortamdır. Heykel , özellikle frizler ve el işi nesnelerin dekorasyonu için bariz bir formdur .

Heykelin mimariyle ortak üç boyutluluğu olduğundan, genellikle kasıtlı olarak onunla ilişkilidir. Plastik elemanlar yapısal olarak entegre edilebilir ( atlaslar , karyatidler , kilit taşları , başlıklar ) veya sadece aşağı yukarı tersine çevrilebilir şekilde eklenebilir ( kabartmalar , korkuluk ekleri , niş figürler ).

Heykel çok farklı bir ölçekte gerçekleşir. Bu , kiraz taşlarındaki mikro oymalardan değerli taşlar ve kameolar üzerindeki kabartmalara , madeni paralar , madalyalar ve plaketler, küçük heykeller (örneğin netsukes ) ve porselen figürinlerden büyük ölçekli heykellere kadar uzanır ; bu da, gerçek boyutlu heykel heykelleri ile 108 m yüksekliğindeki rekor sahibi Zhongyuan Buddha gibi yaşamdan daha büyük anıtsal heykeller arasındaki her şeyi kapsar .

Özellikler ve temalar

Ayrıca resimli eserler, amaçlarına ve konularına göre incelenebilir ve sistematik hale getirilebilir: İster kutsal kişilere tapınmak için isterse yerel bir hükümdarın kültü amacıyla olsun, ister kamu yararı için, isterse kamu yararı için olsun, kült amaçlı resim eserlerinin üretilmesi. özel bağlılık, sanat tarihinin başlangıcından günümüze kadar uzanan uzun bir süreci belirlemiştir. Swabian mağara buluntularından elde edilen en eski kemik oymalarına bile büyülü veya şamanik anlamlar yüklenmiştir . Temelsizliği yerelleştirilmemiş bir kullanıma işaret eden Kiklad putları için de benzer bir şeyden şüpheleniliyor . Bu küçük heykeller, Yunan tapınaklarından tanrıların anıtsal görüntüleri ile yan yana yerleştirilmiştir. Roma imparatorları, kendilerini tanrılaştırılan öncüllerinin büstleriyle çevrelediler ve böylece kendi tanrılaştırmalarını beklediler . Crucified İsa ve Meryem Ana tasviri Ortaçağ'dan beri Hristiyan heykel merkezi kült görüntüleri olmuştur. İnsan imajını vermek (yalnızca tanrının suretinde oluştuğu yeri değil), çok yakın geçmişe kadar tarih boyunca heykelin en önemli görevi olmuştur. Portrenin Tarihi ana makalesine bakın . Özel formlar anıttır , bu da atlı heykeli şeklindedir , aksi takdirde büst veya heykel olarak ve işlev olarak benzer olan mezardır . Bununla birlikte, modern zamanlar boyunca, bu giderek daha az mecazi hale geldi. Bahçe heykeli , çoğunlukla alegorilerin ve antik kahramanların veya tanrıların döngüsel dizilerindeki bu heykellerin bahçe sanatı düzeninin katı düzenliliğine entegre edildiği Barok döneminde gelişen ayrı bir kategori oluşturur .

Bağımsız hayvan tasvirleri, insanlığın en eski heykelleri arasındadır, ancak tarih boyunca, örneğin ortaçağ bronz sanatında veya 19. yüzyılın ortaları ile 20. yüzyılın ortaları arasında her zaman olduğu kadar sık tasvir edilmemiştir. Genellikle belirli sembolik (kolon taşıyan kapı koruyucusu olarak aslan, kapı çekicileri , akuamaniler ) veya dekoratif (ortaçağ yapı heykelleri, porselen figürinler) işlevleriyle sınırlıydılar . Bitkilerin pratikte sadece plastikte kabartma olarak görünmesi teknik nedenlerle anlaşılabilir, ancak orada bile nadiren ikonografik ağırlığa sahipler , dekoratif bileşenler olarak kalıyorlar ve stilizasyona tabiler. Motifleri (örneğin palmet ve arabesk ), Orta Doğu'nun erken gelişmiş kültürlerinden modern Avrupa zamanlarına kadar tarih boyunca uzanır .

Tarih

Çok eskilere dayanan kültürlerden heykeller orantısız bir dağılımla korunmuştur: taştan ve pişmiş kilden yapılan eserler, birkaç istisna dışında kaybolan bozulabilir malzemelerden yapılmış olanlardan daha sık korunmuştur. Belirli kültürlerde ve belirli zamanlarda heykeller, dini veya ideolojik nedenlerle ( ikonoklazm ) kasten yok edildi .

Tarih öncesi ve erken tarih

Avrupa'daki en eski küçük figüratif heykel buluntuları Taş Devri'nden, daha doğrusu Aurignacien'den gelmektedir (→ ana makale Üst Paleolitik küçük sanat ). Fildişi, kemik, düşük sertlikteki mineraller ve kilden yapılan eserlerde ağırlıklı olarak hayvan motifleri ve kadın figürleri yer almaktadır . İdol karakteri bu eserlerin Avrupa yüksek kültürlerin başlangıçlar için doğru yukarı devam etti. MÖ 5000 yıllarından kalma küçük mermer Kiklad idolleri önemli bir grubu temsil etmektedir . M.Ö. 1600 M.Ö. Kırım ve Batı Akdeniz arasında yayılan Neolitik heykel menhirleri , erken dönem büyük ölçekli figüratif heykellerden oluşan bir grup oluşturur . Ayrıca bakınız: Nurajik heykel

Akhenaten'in başı, MÖ 1350/40 civarında kireçtaşı kabartması BC, Mısır Müzesi Berlin

Erken gelişmiş uygarlıklarda heykelin gelişimi, kapalı devletlerin, güvenli bölgelerin ve hükümdarlara ve kanonik ayinlere hizmet eden rahipliklerin gelişimi ile ilgilidir. Asya ve Güney Amerika kültürlerine benzer şekilde, bu aynı zamanda Yakın Doğu'nun erken dönem sanatı için de geçerlidir. Mısır Sanatı ile kuruldu Firavun 3000. yaklaşık beri v Devleti Çıkış. Biçimsel özellikleri düzlük ve “tek görünüm” olup, heykelde önden ve / veya saf yandan görünüm vurgusu. Yaşlanmayan figürlerin duruşu sürekli olarak katıdır, genellikle blok benzeridir ( küp tabure ). Anlamları ölçek ve yazıtlardan ortaya çıkar , ikincisi ise resimli hiyeroglif şeklindedir . Sadece Amarna döneminde z'dir . B. Nefertiti ve Akhenaten portreleri ile açıkça bireyselleşme isteği. Daima düz olan kabartmalarda perspektif kısaltması yoktur. Temsillerin temel amacı, ahiret yaşamını öngörmek hatta devamını sağlamaktır. Sert taş , Mısırlı heykeltıraşların (veya daha doğrusu müşterilerinin) tercih ettiği malzemeydi. Antik Doğu'nun Yakın Doğu kısmından şu vurgulanmalıdır: Av sahneleri, tanrı ve hükümdar figürleri ile Yeni Asur dönemine (MÖ 11. - 7. yy) ait düz kabartmalar ve büyük heykeller , sonraki Neo-Babil dönemi. alay ait sırlı kil kabartmaların bulunduğu dönemi (625-539 BC). Chr.) cadde ve İştar kapısı dan Babylon ve taş ve kil rölyefler Akamanış kültürü MÖ 6. yy'dan (). Tüm Mezopotamya bölgesinde, pullar ve silindir mühürler üzerindeki kabartmalarıyla gliptik , oradaki görüntülerin aktarılmasında da özel bir rol oynamaktadır.

Antikçağ öncesi tarihe ait önemli bireysel eserler hakkında makaleler aşağıdaki listeler kullanılarak bulunabilir:

antik çağ

Diadumenos, Yunan bronz orijinal sonrasında Roma mermer kopyası (1. yüzyıl) Phidias , (yaklaşık 440 BC), British Museum

In Minos sanatı içinde Girit , (küçük) heykel sadece küçük bir rol oynar. Miken'in Aslanlı Kapısı (MÖ 1300 civarında) özellikle antik çağın ayakta kalan en eski anıtsal heykeli olarak bilinse bile , Miken heykelinin nitelikleri küçük bir formatta kolayca gözlemlenebilir . Yunanistan'da arkaik sanat dönemi (MÖ 700-500) en açık şekilde figüratif heykellerde temsil edilmektedir. Kuroi ve Koren'de canlılık, blokajın çözülmesi ve katı cepheden uzaklaşmaya yol açan bir gelişme gözlemlenebilir. Gelen katı tarzında Yüksek bir geçiş aşaması, (yaklaşık 490 / 480-460 / 450 M.Ö., aynı zamanda “Erken Klasik” olarak adlandırılır) Klasik dönemde , pondération edilir geliştirilen ve kompozisyon hareketi artar. Yüksek klasik altın çağının birkaç on yılında (MÖ 450-420 civarında), Yunan heykeltıraşlığı, yalnızca plastik sanatların ve yalnızca antik çağın değil, sonraki gelişimin tamamı için büyük önem kazandı . İçinde anatomik olarak hassas bir şekilde kaydedilmiş, canlı fizikselliği ve karşı direğin ayakta durma motifi (" destek ayağı - serbest bacak ") ile serbest figür mükemmelliğe getirildi. MÖ 4. yüzyılın geç Klasikleri Chr. Kişiselleştirilmiş portreyi ilk kez yarattı . In Helenizm hergün, hatta Grotesque'in (336 M.Ö.), heykel gerçekçi çoğaltılamaz tema haline geldi. Jacob Burckhardt , Bergama Barok terimini , artık duyguları da ifade eden geç dönemin şiddetli hareketli stili için türetti . Antik taş heykel, klasisizm beyaz mermeri sevse bile, muhtemelen her zaman renkli benimsenmiştir .

Yunan sanatından etkilenen ancak bağımsız olarak gelişen Etrüsk sanatı , MÖ 6. yüzyıldan beri kendini göstermektedir. Lahit üzerine yataklanmış karakteristik yatar figürlerle. Bu pişmiş toprak heykellerin çoğuna ek olarak , bazı seçkin bronz heykeller, portre kafaları ve sayısız adak sunuları korunmuştur.

Etrüsk ve Yunan modelleri Roma sanatının gelişimini belirlemiştir . Figüratif, yuvarlak görünüşlü heykelde, Roma neredeyse hiç bağımsız yaratım geliştirmedi ve kendisini Yunan orijinallerinin taklidi ile sınırladı. Öte yandan portre - bir büst ve heykel olarak - bireysel ve gerçekçi biçimiyle , veristic'e uzanan , Roma'nın en büyük görsel başarısıdır. Anma bu resimsel türünün ve propaganda işlevi de Roma heykel diğer büyük başarı rol oynamıştır: rahatlama . MÖ 1. yüzyıl kadar erken Zafer sütunları ve zafer taklarının figüratif alanlarında derin bir mekansal illüzyonizm gelişmiş ve batılı kabartma sanatına örnek olmuştur.

Başmelek, Bizans fildişi kabartması, 525-550

Gelen erken Hıristiyan sanatı 6. yüzyıla kadar 4th 19. yüzyılda lahit heykeltıraşlık, heykeltıraşların en önemli görevi haline geldi. Diğer bağlamlarda da heykel kabartma ile sınırlıdır. Hıristiyan sanatının (muhtemelen idol benzeri olarak algılanan) tam yuvarlak büyük heykelden kaçınması, milenyumun başına kadar hüküm sürecekti. Bizans sanatının heykeli de bağımsız anıtsal heykelden vazgeçmiştir , ancak çok sayıda yüksek kaliteli fildişi diptik , ortaçağ küçük heykelleri üzerindeki etkileri nedeniyle özellikle önemlidir.

Antik heykelin önemli bireysel eserleriyle ilgili tüm makaleler, aşağıdaki kategori listeleri kullanılarak tanımlanabilir ve seçilebilir:

Ortaçağ

Carolingian sanat sonucudur emperyal Geç antik aktarmak için çaba, zaten Hıristiyan onun şimdiki zamana kültürel madde etkiledi. Böylece kadim bir geleneğin devamı niteliğinde , Ada grubunun el yazmalarına, doğal rölyeflerle bezenmiş fildişi kitap kapakları verilmiştir. Kitap aydınlatmasında olduğu gibi, antik sanatın illüzyonist etkilere dayalı uzamsal ve plastik unsurları grafik-lineer hale getirilmiş ve olaylı özellikler yeniden vakur olarak yorumlanmıştır. Geniş formatlı heykelden hiçbir şey hayatta kalmamıştır (eğer gerçekten var olsaydı).

Otton imparatorları döneminde siyasi gücün güçlenmesiyle birlikte, kendi topraklarındaki sanat merkezleri, ilk binyılın başında lider bir konuma geldi. Heykelin görevleri Karolenj döneminden bu yana pek değişmemişti, fildişi ve altından yapılmış kabartmalar baskındı, ancak şimdi geç antik geleneğin bir kez daha yaşadığı büyük, mecazi olarak dekore edilmiş bronz kapı kanatları yaratılıyor. Orta Çağ'da ilk kez heykel kült görüntülerini, Essen'deki Altın Madonna'yı ve Köln Katedrali'ndeki Gero Haçı'nı görüyoruz . Geç Orta Çağ'a kadar heykel sanatının neredeyse sadece kilise sektöründe gerçekleştiği belirtilmelidir.

Karolenj ve Otton heykelleri
Aziz Remigius efsanesinden sahneler . Geç Carolingian fildişi tablet, muhtemelen bir kitap kapağından. Reims, 9. yüzyıl, Amiens, Picardy Müzesi.
Gerokreuz , Köln 965-970 civarında, büyük ortaçağ heykelinin erken bir örneği.
Essen Katedrali Hazinesinden Altın Madonna. Ahşap bir çekirdek üzerinde altın levha. Köln (?), Yaklaşık 980
Hildesheim Katedrali'ndeki Bernward kapısı, bronz, 1015 civarında

Romanesk

İle Romanesk sanat , yani 1060 yılından bu yana yaklaşık anıtsal mimari heykel önem kazanmıştır 1100 yerinden . Roma sanatından tek tek motifler seçici olarak yeniden üretilse bile, genellikle eskiliğin bir devamı değil, yeni bir başlangıçtır. Güney Fransa'da ( Cluny , Autun , Vézelay , Moissac , Toulouse ), ayrıca kuzey İtalya ve kuzey İspanya'da timpana , başlıklar ve portal giysiler süslemeler ve figürlerle zengin bir şekilde dekore edilmiştir. Teknik, stilistik ve ikonografik öneriler , dolaşan inşaat kulübeleri aracılığıyla Santiago de Compostela'ya giden hac yolları boyunca yayıldı . Taş heykel ve kilise mimarisi arasındaki bağlantı, birkaç istisna dışında Orta Çağ boyunca korunacaktır. Plastisite hala kabartmanın sınırlarını terk edemiyor. Amaçları doğayı ve gerçeği taklit etmek değildir. Pek çok grotesk ve şeytani hermafrodit bu şekilde devreye girer ve cüppeler ve tüm kompozisyonlar aynı zamanda süs eşyası haline gelebilir. İkonografik olarak, güçlü, hükmeden, yargılayan Tanrı, anıtsal heykelin merkezinde yer alır, ikincil görüntü konumları genellikle şeytanların ve efsanevi yaratıkların da rol oynadığı ahlaki temalarla meşgul olur. 12. yüzyılın Alman heykeli (Fransa'ya kıyasla) daha çok kilisenin içindeki mobilyalara adanmıştır. Romanesk metal sanatı için üç bölgesel odak noktası tanımlanabilir: Meuse bölgesindeki (Liège) bronz heykel ve kuyumculuk sanatı da taş işçiliği için stil oluşturucu bir güce sahipti ve Gotik'e işaret ediyordu. 12. ve 13. yüzyıllarda Rheinland (Köln) , figürlerle süslenmiş küçük mimari şeklinde en görkemli kutsal türbelere katkıda bulunmuştur . Aşağı Saksonya'nın (Hildesheim, Magdeburg, Braunschweig) özel servisi yine bronz dökümdür.

Romanesk heykel
Reiner von Huy'un vaftiz yazı tipinden Mesih'in Vaftizi , Liège, 1107-1118
Vezelay Abbey Kilisesi'nin Tympanum'u, 1120-1130 civarında.
Magdeburg döküm atölyesinden Başpiskopos Friedrich von Wettin'in († 1152) kesinlikle kübik stilize mezarından detay .
Brunswick Aslan , 1166, eski çağlardan beri ilk içi boş döküm bronz figür

Erken ve Yüksek Gotik

Kilise cephesinin yeniden tasarımı , erken ve yüksek Gotik dönemin en büyük sanatsal görevi olan katedralin inşası ile el ele gider ve heykeller , Trumeau figürü , kulak kabartması ve arşiv figürleriyle süslenmiş giysilerle figür portalını geliştirir . Gelişme, 1130 civarında kuzey Fransa'daki binalarla başlar. Heykel ve mimari arasındaki ilişki değişir: başlıklardaki süslemeler kaybolur, kilise portalı yuvarlak figürün bağımsız hale geldiği yer olur (yani "Romanesk" kabartma), ancak mimariden tamamen kopmadan. Geriye kalan, bir taban / konsol ve gölgelik veya bir mesken ile işaretlenmiş bir “resimsel alan”dır . Bu özellik, Orta Çağ'ın sonuna kadar Avrupa'da belirleyiciliğini korudu ve heykeltıraşlığını antik ve modern zamanların heykellerinden ayırdı. Sistematik olarak organize edilmiş ve ilgili Yüksek Orta Çağlardan kurtuluş tarihinin tüm görüntüleri, kuzey Fransa'nın ve Ile-de-France'ın Gotik katedrallerinin cephelerine yayılmıştır . Yeni stil, değişmeden değil, hızla ve yüksek bir anıt yoğunluğuyla ilerliyor: Chartres Katedrali'nin batı portalları (1150 civarında), lineer olarak çizilmiş cüppeli uzun, yüzen figürlerle, Paris taç giyme portalı ( 1210'dan itibaren) ve Amiens'in batı portalları ( yaklaşık 1220'den sonra), Gotik üslup gelişimi içinde en yüksek derecede ciddi, sade güzelliğe sahip, Reims'teki heykel 1220–1240 civarında, kuyumculuktan elde edilen yumuşak akıcı formlar lehine bu sıkılığını yitiriyor. Bu arada, Paris'ten başlayarak, yaygın olarak "Gotik" olarak anlaşılan şeyin çoğunu geliştiren bir gelişme başlar: Reimser West'teki Müjde'nin ünlü "gülümseyen meleği"nde görüldüğü gibi zarif hareket, mutlu gülümsemeler ve değerli jestlerden oluşan bir tarz. portal 13. yüzyılın ortalarında ortaya çıkıyor.

12. ve 13. yüzyıl Fransız katedral heykelleri
Chartres, batı portalı, 1145 civarında
Chartres, güney portalı, yaklaşık 1215-1220
Amiens, batı cephesi, merkezi portal, 1220'den kısa bir süre sonra
Reims, batı portalı, Müjde grubu, yaklaşık 1250

Fransız katedral stilinin Avrupa'ya yayılması farklı şekillerde gerçekleşti. İngiliz heykeli başlangıçta düzlemsel ve süslemeli olarak kaldı. İspanya'da, mimarinin, Mağribi geleneklerinin yan etkileriyle açıklanan ve yüzyıllar boyunca devam eden bir İber özelliği olan zengin, kabartma benzeri yüzey dekorasyonunun ardında nasıl kaybolduğu gözlemlenebilir .

İtalya'daki heykel, antik çağın görüşünü hiçbir zaman tamamen kaybetmemişti. Kulübelerin işbölümünün bireyselleşmeyi engellediği kuzeyin aksine, İtalyan eserleri Gotik'te, genellikle isimleriyle de bilinen bazı sanatsal kişiliklerin el yazısıyla zaten belirlendi. 1260 civarında, Nicola Pisano ve oğlu , genellikle Protenaissance olarak adlandırılan ve açıkça Roma lahit sanatı tarafından belirlenen bir stil geliştirdi . Şimdi kabartma, minberler, türbeler ve çeşmeler üzerindeki figürlerle zengin bir şekilde bezenmiş bir anlatı aracı olarak yeniden rol oynamaktadır. Onlar hakkında Gotik olan şey, yapısal bir çerçeveye entegre olmaları ve “bu döngüsel derlemenin ustaca iç içe geçmiş, sistematik biçimi, Fransız anıtsal heykelinin düzenleme programı olmadan düşünülemez” ( Georg Swarzenski ). Nicolas'ın Reims'te bulunan oğlu Giovanni Pisano , Sienese katedralinin cephesine bir figür programı getirdi . Ancak figür portalına başvurmadı (aksi takdirde İtalya'ya asla ulaşmadı), ancak duvarın önüne serbestçe yerleştirilmiş tamamen yuvarlak figürleri tercih etti.

Almanca konuşulan bölgelerde Gotik'in kabulü yeniden farklı bir şekilde gelişiyor. Hildesheim'daki ( 1192'den sonra) ve Halberstadt'taki (1200/1210 civarında ) koro ekranları veya Freiberg'deki Altın Kapı (1230 civarında) gibi Sakson heykelleri hala büyük ölçüde eski yerel geleneklere bağımlıdır. Aynı sıralarda Fransa'ya çok daha yakın olan Strasbourg'da Chartres'tan göç eden bir atölyenin yarattığı ve hareket, poz, zarafet ve ifade ile öne çıkan heykeller ortaya çıktı. Bamberg Katedrali'ndeki bir heykel döngüsü, stilistik olarak Reims Katedrali'ndeki modellere bağlıdır, ancak onu Batı modellerinden daha da uzak bir duygululukla tasvir eder ( Bamberg Rider , yaklaşık 1225). Kısa bir süre sonra, Bamberg'den etkilenerek, erken Gotik'in diğer büyük atlı görüntüsü yaratıldı: Büyük Otto , eskiden Magdeburg'un pazar meydanındaydı, Orta Çağ'dan hayatta kalan en eski bağımsız binicilik heykeli. Poz ve yüz ifadeleri yasal bir sembolün ciddiyetini ifade eder. Aynı zamanda, bilge ve aptal bakirelerin giysi figürleri , mutlu gülümsemelerin ve en derin umutsuzluğun tüm çeşitlerini oynar . Daha da yeni bir tasarım dili, Naumburg Master adlı bir atölye tarafından Fransa'dan geri getirildi . Bu arada giysi stili, erken Gotik'in grafik doğrusallığını daha da yitirmişti. Buna paralel olarak, Naumburg atölyesinin heykelinde de biçimsel dil ağırlaştı. Cüppelere hacim verildi ve artık süslü kıvrımları yok, gerçeklerden kopyalanan kıvrımlar var. Naumburg Stifterchor'daki (ancak bireysellikleri portre benzeri bir anlamı olmayan) laik figürlerin hayata yakınlıkları ve perili rood ekran kabartmaları, "Staufer Almanya'nın Hıristiyan sanatının M.Ö. Gotik katedral".

13. yüzyıl plastik
Bamberg Rider , 1225-1237, antik çağlardan beri en eski tamamen yuvarlak atlı heykel.
Marientod, Strasbourg katedralinin güney portalı, 1225'ten sonra
İmparator I. Otto ve eşi Editha, 1250 civarında, Magdeburg Katedrali ,
Nicola Pisano , Pisa'daki Vaftizhanenin minberinden Magi'nin Doğuşu ve Hayranlığı, 1260 civarında.

Geç Gotik

14. yüzyılda heykeltıraşın görevleri değişti. Yerel istisnalar dışında, heykel yapmanın önemi ve bununla birlikte heykelin gelişimi için kulübeler inşa etmenin önemi azalmaktadır . Taş ustası için, kilisenin iç donanım unsurlarına (minber, rood perdesi, vaftiz fontu) ek olarak, mezar önemli bir çalışma alanı olmaya devam ediyor . Orta Çağ'ın sonuna kadar, ana motifinde çok az değişiklik yapılmış, ölü adam tasviri ortaya konulmuştur. Ancak açık olan şey, portre aslına uygunluğu da dahil olmak üzere gerçekçi karakterizasyona yönelik gelişmedir. Mezar yeri ile kilise arasındaki mekansal ve anlamlı bağlantı her zaman korunur. Taş heykeltıraşları kulübe patlak ve tarafını almak lonca bağlı kasabanın içinde heykeltraşlar kasabalarda . Genç heykeltıraş olduğunu şimdi değil bütün kulübe, yürüyüş.

En önemli yeniliklerden biri tasavvuftan ilham alan adanmışlık imajıdır . En önemli türleri Pietà , Acıların Adamı , İsa-John grubu , Kutsal Kabir ve dal haçıdır . Bunlar çoğunlukla tahtaya oyulmuş, artık yapısal veya döngüsel bir bağlamda kurulmayan, aynı zamanda artık bir teolojik öğretim yapısının parçası olmayan, bunun yerine bireyin zihnine hitap eden, onu acımaya ve tefekkür etmeye çağıran figürler veya gruplardır. . Bu anlamda Meryem imajı da değişime uğramıştır ve artık annelik, duygusallık ve oyunbazlık anlarıyla eğitimsiz vatandaşın bile subjektif imaj anlayışına yaklaşmaktadır.

1400'lü yıllarda plastik sanatın yüksek noktaları, Avrupa'daki çeşitli mahkeme merkezlerinden yayılan etkiler ve stil paralellikleri tarafından şekillendirilir ve bu nedenle " Uluslararası Gotik " olarak da özetlenir. 1365'ten itibaren Peter Parler'ın heykel sanatı , İmparator IV. Charles'ın ikametgahı olan Prag'dan geliyor. St. Vitus Katedrali'ndeki triforium büstleri , hala hayatta olan insanları tasvir ediyor. Gerçekçilik için belirleyici uyarıcılar (ki bu ancak 15. yüzyılın sonlarında bütünüyle meyvesini verecek) güney Hollanda'dan çıktı . Aynı zamanda, birkaç güçlü ve etkileyici eseri, modern bireyselleşme yolunda Gotik sanatın şaşırtıcı derecede erken bir yüksek noktasına işaret eden Claus Sluter'in de eviydi .

1400 civarında bu yenilikler kentsel burjuva kültürüne de ulaştı (Köln, Nürnberg, Siena, Floransa); burada ifade sanatı daha çok zarif, güzel çizgiler ve hassas duygusallıkla ifade edilir (karş. tartışmasız yardımcı terimler " yumuşak stil " ve " güzel Madonna "). Esnek figürler, derin, yumuşak kıvrımlar oluşturan ve kenarları kaskad benzeri konturları oluşturan daha önce bilinmeyen bir kumaş bolluğu ile çevrilidir. Bu on yıllarda yumuşak, dövülebilir kilin geçici olarak sanatçı için bir malzeme seçeneği haline gelmesi çok şey anlatıyor . İle Hans Multscher 1430 yerinden bir formun bu sarayla idealdir daha gerçekçi tasarım yöntemleri ile değiştiriliyor nasıl gözlemleyebiliriz. İlk bakışta, bu en çok 1440-1450 civarında geniş bir cephede bu formda hakim olan kıvrımlı stilin kırışık oyunu ve sert kırılganlığında belirgindir. Pek çok yerde çalışan Niclas Gerhaert van Leyden bunun ötesine geçiyor: Figürlerinin organik yapısı, şehvetli maddesellik hissi ve Gotik karmaşıklığın canlı ilkesi ustaca olarak tanımlanıyor. Çağdaş baskı resimden etkilenmeyen Gerhaert'in sanatı, kendi payına, 1470 civarında yapılan Dangolsheim Madonna'nın açıkça gösterdiği gibi, Yukarı Ren'deki heykel üzerinde açık bir etkiye sahipti .

1400 civarında gotik heykel
Peter Parler'ın otoportresi. Prag'daki St. Vitus Katedrali'nin triforyumundaki büst , 1365
Claus Sluter , David ve Dijon'daki Musa Kuyusundan bir peygamber
1380-1400 civarında Mary, Fransa'nın Coronation ile Fildişi diptik
Madonna, üniversite kilisesi Horb. 1400 civarında.

Adanmışlık imajı 14. yüzyılın ana motifiyse , Orta Çağ'ın sonunda, özellikle Almanca konuşulan dünyada, kuyruklu piyano retable , şimdi esas olarak ahşapta çalışan heykeltıraş için ana görev haline geldi . Büyük kayıplar göz önüne alındığında, sayısız çok sayıda korunmuş sunak, heykel üretiminin 1500 civarında yeniden arttığının işaretlerinden sadece biridir. Aileler ve şirketler tarafından başlatılan çeşitlilik, şimdi büyük şehirlerin sivil kiliselerinde gemileri ve yeni inşa edilen yan şapelleri dolduruyor . Daha büyük altarlarda, sahneler tam rakamlar anlatmak ait Tutku , Virgin hayatın , ve efsanelerine aziz . İlk bireysel sanatçı isimleri 15. yüzyılda önemli sayılarda ortaya çıkıyor ve bugün bizim için somut olmaya devam ediyor. (Döngünün heykeltıraşlarıyla ilgili bireysel makaleler şu kategoride bulunabilir: Orta Çağ Heykeltıraşları ). Aynı zamanda, stillerin bölgeselliği önem kazanmaktadır, bu nedenle bugün sıklıkla, kökenleri hakkında daha fazla ayrıntı belgelenmemiş olan eserler, belirli stilistik analizlerin atayabileceği Sanat Manzaraları olarak tanımlanan küçük bir alan .

Bireysel sanatçıların hem bölgesellik hem de stil oluşturma gücünün etkileşime girdiği , etkileyici fizyonomik karakterizasyon stili Ana Frankonya bölgesindeki diğer atölyelere de yayılan Tilman Riemenschneider'in çalışmalarında görülebilir . Sahnelere drama ve derinlik kazandıran pencereli oda arka planıyla, ancak her şeyden önce ilk kez uyguladığı bazı eserlerinin renkli versiyonundan vazgeçmesi nedeniyle bir yenilikçi olarak görünüyor .

For Michael Pacher Tirol'un, kuzey İtalyan sanat merkezleri için daha yakındık oymacılar daha kuzeyde . Padua da dahil olmak üzere orada gördükleri ve öğrendikleri onun stiline aktı. Pacher, büyük bir perspektiften görülen figür gruplarını merkezi bir perspektife sahip odalara yerleştirir, böylece eski Gotik sunak duvarlarının parçalı ve dar yapısının üstesinden gelir. Ancak altın çerçevenin ışıltısı ve ışıltısı , resmin etkisinde hala belirleyici bir rol oynamaktadır. Ana eser St. Wolfgang'daki sunağıdır .

Veit Stoss ile de , örneğin Krakow sunağında , yeni, türbe figürlerinin tek tip bir resim sahnesinde rönesans benzeri birleşimidir.

1500'lü yıllarda doruğa ulaşan bu artış, aynı zamanda, heykelde sanatsal önem vurgusunun bir bütün olarak Fransa'dan Almanca konuşulan ülkelere kaydığı geç Gotik stil gelişiminin sonu anlamına gelir.

Önemli Gotik sunaklarla ilgili tüm öğeleri kategoriler listesinde bulabilirsiniz : Gotik Sunak

Geç Gotik heykel
Niclas Gerhaert van Leyden , Our Lady of Dangolsheim , Strasbourg yaklaşık 1460/1465, ceviz ağacı, Bode-Museum Berlin.
Michael Pacher , St. Wolfgang'daki yüksek sunak , 1471
Tilman Riemenschneider'in Rothenburg ob der Tauber'deki Kutsal Kan Sunağı üzerindeki Son Akşam Yemeği tasvirinden detay , 1501–1505
Krakov yüksek sunağı - Veit Stoss'un ana eseri, 1477–1489

Modern Zamanlar

Rönesans

Hiçbir ülke çağın " Rönesans " terimiyle İtalya kadar yakından bağlantılı değildir . Antik kalıntıların sürekli gün ışığına çıktığı ve antik yazarların ilk kez araştırılıp yeniden basıldığı burada, antik dünyanın estetik ideallerinin etkileri hiçbir zaman tamamen ortadan kalkmadı. Rönesans , Romanesk ( Benedetto Antelami ) ve Gotik ( Niccolò Pisano ) Protenaissance'da ifade edilen uzun bir “kurşun süresine” sahipti . Geçiş, Orta Çağ'ın sonunda yeni, zaten geliştirilmiş stili sorunsuz bir şekilde uyarlayabilen kuzey ülkelerinde oldukça farklı bir şekilde gerçekleşti. Sanatın yeni anlayış Kurucu unsurları olduğunu santral perspektif (okul örneği: Lorenzo Ghiberti en Florence, 1425-1452 yılında ikinci vaftizhane kapısı) bir şekilde, hareket halinde counterost ( Donatello'nun David 1440 civarında) ve bir olarak portresi (Donatello: Niccolo büstü da Uzzano, etrafında 1430-1440, onun atlı heykel arasında Gattamelata , 1447 ve o Colleoni von Verrocchio , 1479-1488) insanın fiziksel görünümünü yeniden. Donatello'nun Davut'u başlangıçta bir niş için bir figür olsa bile, her yönden görülebilen bir heykelin klasik idealini yerine getirir ve buna göre Michelangelo'nun Davut'u 1504'te Piazza della Signoria'ya serbestçe yerleştirildi . Bu çağda bronz ve mermer malzemelerin tercih edilmesi antik modelden kaynaklanmaktadır. Rönesans'ın ilk günleri hâlâ uyum modeliyle şekillenirken, doruk noktasında ve aynı zamanda sonunda, Michelangelo'nun eseri, ifade gücü ve güç ( çağdaşları terribilitá'dan bile bahsettiler) belirleyici sanatsal araçlardır.

Rönesans'ta artık onu görevlendiren kiliseler değildi. Resimsel temalar hâlâ ağırlıklı olarak İncil-Hıristiyan kozmosuna ait olsalar da, tamamen kutsal karakterlerini kaybetmişlerdir, daha çok laik ve manevi prenslerin görkemine hizmet ederler, onların sanat anlayışlarına tanıklık etmeleri ve böylece bir rekabete katkıda bulunmaları beklenir. sadece sanatçıların değil, yöneticilerin, şehirlerin ve şirketlerin de sanatın patronları olarak birbirleriyle rekabet ettiği bir yer. Heykel için müşterinin kendi kendini tasvir etme aracı olması, güzel sanatların diğer dallarından daha geçerliydi, çünkü yeri ağırlıklı olarak kamusal alandı.

Francesco Laurana , genç stilize kadın portreleriyle büst şeklinde özel bir plastik portre türü yarattı . Madalya seviyesine bir daha neredeyse hiç ulaşılmadığı gözden kaçırılmamalıdır . 1439'da Antonio Pisanello ilk antik portre madalyasını yarattı . Erken Rönesans döneminin önemli heykeltıraş Nanni di Banco'nun öğrencisi olan Luca della Robbia , Donatello (1435) ile rekabet halinde Floransa Katedrali için bir minber yarattı , ancak 1439'dan beri kendisini esas olarak giderek artan oranda sırlı pişmiş toprak kabartma üretimine adadı.

Dönemin heykeltıraşları hakkında bireysel makaleler şu kategoride bulunabilir: Rönesans Heykeltıraşları

İtalyan Rönesans heykelleri
Donatello : David , bronz, (1430 civarında), Floransa, Bargello
Ghiberti : Cennet Kapısı'ndan Detay (1452), Floransa, San Giovanni Vaftizhanesi
Verrocchio : Colleoni için binicilik anıtı, bronz, (döküm 1493), Venedik, S.Giovanni e Paolo'nun önünde
Michelangelo : Papa II. Julius'un Mezarı , (1505–1545) Roma, Vincoli'deki San Pietro

tavırcılık

Yüksek Rönesans'ın sürekli yenilikleri hala büyük ölçüde Floransa ve biraz sonra Roma'nın odak noktaları ile İtalya'ya odaklanırken , Fransa, İspanya, Hollanda ve Almanya'daki diğer Avrupa sanat manzaraları da sonraki geçiş aşamasında , Maniyerizm'de yer aldı . Eski modellerin önemi azaldı. Tavırcılığın dönemselleştirilmesi bulanık kalmalıdır; genellikle "yaklaşık" olarak anılır. 1530–1600 ”, ancak kuzeyde önemli ölçüde daha uzun bir art etki eklenmelidir.

Başlangıçlar yine Floransa'da. Baccio Bandinelli en grup Herkül ve Cacus göze çarpan bir yere kurmak (1534), Piazza della Signoria , Michelangelo izinde çok hala. Bandinelli'nin rakibi Benvenuto Cellini daha huzursuz ve virtüöz . Ünlü Saliera olan Fransız kralı (1543) için yaptığı tuz fıçısı gerçekten de bir kuyumcu işidir, ancak aynı zamanda Avrupa heykeltıraşlığının en büyük eserlerinden biridir. Perseus'un bronz heykeli (1553, Loggia dei Lanzi ) onun en mükemmel eseri olarak kabul edilir. Sonraki nesil Giovanni da Bologna'ya (Gianbologna) aitti . Onun Sabine kadınlarına tecavüz (1583, Loggia dei Lanzi) örnek olacak Mannerist rakam stilini, karakterize edilmesi için bir anahtar kavramı gösterir figura serpentinata onun sarmal olarak yara gövdesi ile torsiyonu . İzleyiciye, etrafta dolaşırken sürekli değişen, kompozisyon açısından ilginç manzaralar sunmak için tasarlanmıştır. Dolayısıyla heykel , resimle olan eski rekabeti yakalamalı .

Gianbologna'nın bir öğrencisi olan Hubert Gerhard , 1581'den itibaren güney Almanya'da bronz dökümcü olarak çalıştı . Augustus Çeşmesi (1594) kentinde tarafından yaptırılan Augsburg , ilk kez, yatan rakamlar Alpler'in bir çeşme kuzey burada poz vardır. In Münih , Gerhard hizmetine kendini koymak Counter-Reformasyon ve için mobilyalar yarattı burada Michaelskirche (1590 civarında). Cephedeki sembolik olarak yüklü ejderha avcısı , Katolik Orta Çağ'ın kıvrımlarını yanlışlıkla hatırlatmayan, ufalanan, ufalanan bir cüppeye sarılmış başmeleğin hacimli gövdesini gösterir . Giovanni da Bologna'nın öğrencisi ve Hubert Gerhard'ın asistanı olan Tirol Hans Reichle , stillerini hareketli pathoslarla zenginleştirdi. Asıl işleri Augsburg şunlardır: Michael grup Augsburger Zeughaus (1607) ve çarmıha grubunun Ortisei (1605 yılında dikilmiş). En önemli öğrencisi, çalışmalarında (ayrıca küçük fildişi eserlerinde) İtalya, Flanders ve Alman geç Gotik'ten gelen önerileri kullanan Georg Petel'di . Ludwig Münstermann'ın çalışması, Maniyerizm'in kendine özgü bir Kuzey Alman çeşidini sunar . Fransa'da, daha doğrusu: Paris sarayının yakınında, Jean Goujon ve Germain Pilon , Helenistik modellerin doğrusal çalışmasındaki kökenlerini inkar etmeyen, hareketli gövdeyi ince pilili elbiselerle kaplayarak Maniyerizm'e kendi stilizasyonunu verdiler.

Dönemin heykeltıraşlarıyla ilgili bireysel makaleler şu kategoride bulunabilir: Maniyerizm Heykeltıraşları

Maniyerist heykeller
Cellini: Perseus (1554), Floransa, Loggia dei lanzi
Gianbologna : Sabine Kadınına Tecavüz (1579), Floransa, Loggia dei lanzi
Hubert Gerhard : Augustus Çeşmesi (1594), Augsburg
Georg Petel : Aziz Sebastian (1630 civarında)

Barok

Barok heykelin doruk noktaları 17. yüzyılda düşer. Çağın erken kısmı genellike Maniyerizm bugün terim altında anılır iken, terim geç barok (1720) her zaman açıkça o ayrı değil rokoko . Mutlakiyetçilik ve Karşı Reform , heykellerin kökenleri ve sonuç olarak ikonografileri için önemli bileşenlerdir . Sorumluluk alanları hala portre büstleri ve anıtlardır. Türbe , türbe ve kitabe mimari unsurlarla zenginleştirilmiş ve şatafatlı bir abartma noktasına kadar geliştirilmiştir. Çeşmelere yalnızca baskın heykelsi süslemeler verilmekle kalmaz, aynı zamanda - Barok mimarisinde gözlemlenebileceği gibi - kendileri de heykelsi yapılar haline gelir. Atlaslar ve otlar , sıradan dış yapıların yanı sıra mobilya ve küçük mimaride de yeni unsurlardır. Aksi takdirde, bina heykelleri cephelerin ve korkulukların taçlandırılması veya köprüler ve merdivenlerin vurgulanması olarak da kullanılabilir . Dini süsleme sanatında, sunak heykeline ek olarak, minberlerin, vaftiz yazı tiplerinin ve günah çıkarmaların zengin heykelsi süslemeleri ortaya çıkar. Genel olarak, üç boyutlu resim süslemeleri daha çok türler arası topluluklara (" bütün sanat eseri ") entegre edilir : resimsel ve üç boyutlu unsurlar yanıltıcı bir şekilde birleşir ve heykeller mimari kavramların bir parçası haline gelir. Bahçe tasarımı sıkı birleştirir geometrik gelişigüzel ayaklı heykel hareketli doğal formları tasarlanmış.

Bireysel (neredeyse istisnasız figüratif) sanat eseri, çeşitli şekillerde oluşturulmuş vücut eksenleriyle, yalnızca dalgalanan giysilerle birlikte maddi hacminde değil, aynı zamanda ilişkisel hareket ve görüş eksenleriyle de yer kaplar. Bu canlılık genellikle kısacık bir anın seçimiyle artar; Bu nedenle, Apollon'un peşine düştüğü Daphne'nin dönüşüm anının barok heykeltıraşların gözde motiflerinden biri olması anlaşılabilir .

Sadece Barok heykellerin tarihi başlangıç noktası değil , aynı zamanda sanat için para ve fikir kaynağı olarak Floransa'nın yerini alan Roma'dır. Gian Lorenzo Bernini buradaki baskın güç. Heykel bloğunun sınırlarını aşıyor gibi görünse ve her yanı yırtılmış hareketli kompozisyonlar yaratsa da, nadiren çoklu görünüm ilkesini takip ediyor. Onun David (Bernini) onun tüm çalışmalarında sadece ayaklı heykel! İfade sanatının doruk noktası, St. Theresa'nın kendinden geçme halidir . Sanki bir sahnede, yukarıdan çarpıcı bir şekilde düşen ışık altında, Theresa'nın Mesih'le mistik birliği teması, erotik vecd motifleriyle yüklenir ve sahnelenir. Ayrıca Bernini'nin atlı Louis XIV (1670) heykelinde , yetiştirme atı belirleyici andır. Bir bakış François Girardon en tasarım, diğer taraftan, Fransız barok tarzı kendine özgü niteliğini gösterir. Fransız barok heykelinin bu ana temsilcisinin ideali, antik çağda eğitilmiş yücelik ve klasik kemer sıkmaydı. En fazla, Pierre Puget hala Bernini'nin fırtınalı dinamizmini takip ederken, Antoine Coysevox, tüm acılara rağmen , temsili heykelden sapmadı .

Bu çağda Almanya başlangıçta Otuz Yıl Savaşları ile zayıflamıştı. Kuzey Almanya'da heykel, Flanders modellerine bağımlıydı. Örneğin Artus Quellinus II ile birlikte , 17. yüzyılın ortalarında Bernini'nin duygusallığı yolunu bulmuştur. Berlin'deki Andreas Schlueter, Hollanda sanatına da aşinaydı. 1700'de tamamlanan binicilik anıtı, bu bilgiyi Fransa ve İtalya'dan gelen önerilerle birleştiriyor.

Almanya'nın güneybatısı, yeni inşa edilen çok sayıda kale ve Katolik kilisesi nedeniyle de çok sayıda heykeltıraşlık işi getiriyor. Balthasar Permoser , uzun yıllar çalıştığı İtalya'dan 1690'da Dresden'e gelmiş ve 1711'den itibaren "yapısal elemanları hareketli figürlere dönüştürerek" Dresden Zwinger'ı süslemiştir . 1690'larda doğan güneyli Alman heykeltıraşlar kuşağı geç baroktan rokokoya geçiyor: kilise mobilyalarında alçı ve freskleri birleştiren Asam kardeşler , ince karakterizasyon sanatıyla Paul Egell ve güneyi döşeyen Joseph Anton Feuchtmayer Laik azizler ve alaycı putti ile Alman hac kiliseleri . Viyanalı Georg Raphael Donner , başrol oyuncuları ile erken dönemde klasisizme işaret etti . Bir nesil sonra Bavyera Rokoko'sunun baş temsilcisi Ignaz Günther ile birlikte heykel birkaç yıl sonra yeniden renklendi.

Küçük heykeller Barok heykelciliğin vazgeçilmez bir parçasıdır. Sanat ve merak odalarındaki doğal nesneler ve meraklarla birlikte sunulan ve toplamaya yönelik ilkel tutkudan ilham alan , yalnızca Yeşil Kasa'da bulunanlar gibi benzersizlikleri ile göze çarpan doğal kuyumcular değil , aynı zamanda sert ahşapta çok sayıda küçük oymalar . ve fildişi , virtüöz işçiliğin sergilendiği yaratılmıştır. Bu bağlamda (yaklaşık 1730'dan itibaren) üreme için uygun porselen heykeller aittir (her şeyden önce Johann Joachim Kändler ve Franz Anton Bustelli'ye aittir ).

Dönemin heykeltıraşları hakkında bireysel makaleler Barok heykeltıraşlar ve Rokoko heykeltıraşlar kategorilerinde bulunabilir .

Barok heykeller
Gian Lorenzo Bernini: Apollo ve Daphne (1625), Roma, Galleria Borghese
Gian Lorenzo Bernini : Aziz Theresa'nın Rapture (1652), Roma, Santa Maria della Vittoria
Balthasar Permoser : St. Magdalena heykeli için model. Barok Müzesi Salzburg
Ignaz Günther : Madonna Evi (1761'den sonra), meşe ağacı, Münih, Bavyera Ulusal Müzesi

Klasisizm ve Tarihselcilik

Eskisinden daha sık olarak, klasisizmde heykeltıraşlar anıtlar yaratmakla görevlendirilir ; In 19. yüzyıl boyunca sonraki heykeller giderek artan sel oldu için mezar anıt ve büst de âlim ve sanatçıları artık burjuva şehirlerde birçok yerleri işgal artık sadece prensleri temsil ama. Mermer ve bronz tercih edilen malzemelerdir.

Geliştirme için başlangıç noktası yine Antonio Canova'nın 1780'den kalma büyük atölyesiyle önde gelen bir heykeltıraş olarak kurduğu Roma'dır . Papa Clemens XIV (1787) ve Clemens XIII için yaptığı sade çileci, ayık mezarları . (1792) üslupta barok tadıyla programatik bir kopuşu belgelemektedir. Yücelik duygusu burada aktarılmalıdır. Teknik mükemmellik ve katı pozlar, modern yazarlara fazla pürüzsüz, havalı ve boş duygusallık ile karakterize edilmiş görünüyor. Bununla birlikte, Thorwaldsen ile birlikte, ottocento'nun tamamındaki en etkili İtalyan heykeltıraştır . Protestan Dane Bertel Thorwaldsen , tüm sanatsal yaşamını Roma'da geçirdi. Modeli aynı zamanda antik çağın sanatıydı, ancak selefleri Helenizm'den daha az, daha ziyade yüksek sınıf heykel, örneğin son zamanlarda tanınan Parthenon frizininkiydi . Alexander Friz'in Thorwaldsen tarafından yapılan büyük doğal kabartması , antik çağın bu yeni bilgisini yansıtıyor. Kopenhag'daki Frauenkirche için yaptığı heykelsi süsleme , “19. yüzyıldan kalma bir Protestan kutsal binasının tek tip döşenmesinin en önemli örneğidir”.

Fransa'nın klasisizm heykeline en kayda değer katkısı, portre büstünde doruğa ulaşan portre sanatıdır . Jean-Antoine Houdon ile başlıyor . Pierre Jean David d'Angers , Restorasyon dönemi ve Temmuz monarşisinin çoğunlukla akademik-klasik rutine kapılmış olan heykeltıraşlarından gerçekçi, canlı modelli büstleri ve portre rölyefleriyle öne çıkıyor . Öncelikle bir grafik sanatçısı olarak tanınan Honoré Daumier'in plastik eskizleri şaşırtıcı bir moderniteye sahip . Onun büstleri milletvekilleri ve heykelciği Ratapoil pratikte modellenmiştir karikatürler .

İngiliz John Flaxman, heykel için önemli olan ilk klasikçilerden biriydi . Kabartmalarda uygulanan, Wedgwood taş eşya üreticisinin tabaklarında Avrupa dağıtımını bulan anahat çizimleriyle ünlendi .

Roma'da kalmak, 19. yüzyılın Alman heykeltıraşlarının biyografisinin ayrılmaz bir parçasıydı. Stuttgart'tan Johann Heinrich Dannecker , Canova'nın oradaki etkisini öğrendi . Schiller büstü, şairin bugüne kadarki fizyonomisine ilişkin imajımızı belirler . Berlin Gottfried Schadow , klasikçi titizliği ustaca resimsel buluşlar ve hassas ifadelerle zenginleştirdi. Prusyalı prensesler Luise ve Friederike (1797) grubu, haklı olarak Alman sanatının en popüler heykellerinden biridir. Schadow'un öğrencisi Christian Daniel Rauch , Roma'da Thorwaldsen'den etkilendi. Büstler ve portre heykeller bakımından zengin olan eseri , herhangi bir “antika” kılığına sahip olmayan, Büyük Frederick'in (1851) onurlu binicilik anıtında doruğa ulaşır. Kostüm tartışmalara anıtlar için uygun giysiler üzerinde böylece sahada eski haline - bu da sanatta gerçekçilik artan bir işareti.

Klasisizm heykelleri
Jean-Antoine Houdon : Voltaire (1778)
Antonio Canova : Arşidüşes Marie Christine (1805), Viyana, Augustinian Kilisesi için cenaze anıtı
Bertel Thorvaldsen : İsa (1839), Kopenhag, Meryem Ana Kilisesi
Johann Gottfried Schadow : Prensesler Grubu (1797), mermer, Berlin, Alte Nationalgalerie .

Klasisizm aynı zamanda şiddetle tarihselleştirici bir tarzdı, ancak daha dar teknik bir terim olan tarihselcilik, esasen 19. yüzyılın ikinci yarısından Birinci Dünya Savaşı'na kadar olan fenomenlere atıfta bulunur. Neo-Gotik , sürekli inşaat (1843) bina heykel ile başlayan Köln Katedrali , yeni seri üretim ve üzeri yenileme üzerine bina heykel ek olarak, konsantre oyulmuş sunaklar . Anıtlar söz konusu olduğunda, tarihselcilik kendini her şeyden önce giysilerin kostüm-tarihsel yeniden üretiminde ifade etti. 1871'den sonra başlayan bir bina patlaması , Alman laik binalarında, genellikle neo-rönesans tarzında plastik elemanların kullanımını yeniden canlandırdı . Öte yandan Fransa'da, " neo- barok, ancien régime'in çağrıştırılmasıyla bir tür ulusal hedefe bile ilerledi ." Yüzyılın sonunda, neo-Romanesk (kutsal sanat, anıtsal) dahil üslupların bir arada var olması. anıtlar), neo-Rokoko (iç dekorasyon, kabare, porselen heykel) ve genellikle yüksek sanatsal düzeyde doruğa ulaşan neoklasizm , 20. yüzyıla kadar etkileri ile.

Dönemin heykeltıraşları hakkında bireysel makaleler , klasisizm heykeltıraşları kategorilerinde bulunabilir.

ve tarihselcilik heykeltıraş

19. yüzyılın ikinci yarısından heykeller
Christian Daniel Rauch : Büyük Frederick'in atlı heykeli (1851), Berlin, Unter den Linden.
Neo-Gotik:
Peter Fuchs : Köln Katedrali'nin batı portalından Madonna , 1865-1880
Yeni Barok:
Reinhold Begas : Merkur und Psyche (1878), Berlin, Alte Nationalgalerie
Neoklasizm:
Adolf von Hildebrand : Philoktet (1886), Münih, Neue Pinakothek

önemsiz sanat

19. yüzyılın son üçte birinde - yüksek sanat dışında - daha önce bilinmeyen miktarlarda heykeller üretildi: o zamandan beri vatansever vatansever sanat politikalarının başlattığı anıtlar , kalabalık meydanlar ve parklar, cepheleri figüratif mimari süslemeler , şehir mezarlıklarında yas tutan galvanoplastik melekler ve porselen figürler burjuva oturma odalarının zorunlu dekorasyonuna aitti. Üslup görünümleri çoğunlukla neo-barok renkli bir natüralizm ile karakterize edildi , motiflerde ayrıntılı gerçekçilik, hoş, tür benzeri anlatım ve anekdot sıradanlığı eğilimi gözlemlenebilir. Daha önce bilinmeyen bir özellik, endüstriyel, seri üretilebilirliktir (örneğin, elektrokaplama ve yapı plastiklerinde).

Modernitenin öncüsü

Görevlendirilen sanat ve dekoratif amaçlarla bu ödeneğe karşı bir fikir olarak, kendinden daha fazla olmaması gereken özerk sanat eseri fikri , en iyi ihtimalle bu tür düşünceleri besleyen uzmanlar tarafından hayranlık ve yansıma nesnesi olarak ortaya çıktı. müzeler ve özel koleksiyonlar. Heykeltraşlar bu görüşü farklı yaklaşımlarla gerçekleştirmişlerdir. Örneğin, Rodin, psikolojik koşulların dışavurumcu hareketi ve kabataslak görselleştirilmesini temsil ederken, diğerleri, klasik titizlik ve tektoniğe stilize edici başvurularla , soyutlamaya yol açan ve orada çok daha radikal bir şekilde yanıtlanması gereken heykelsi biçim sorunlarını öngörür . Aynı zamanda resimle karşılaştırıldığında, 19. yüzyılın sonlarında heykel, kendi kendine empoze ettiği görevlerin ve estetik ideallerin her zaman sürekli olmayan bir gelişimini gösterir. Ancak bir sabit olarak insan figürü, soyutlamanın doğuşuna kadar heykelin neredeyse tek konusu olarak kaldı.

1880'lerde ileriye dönük pozisyonların en çok açığa çıkan temsilcisi Auguste Rodin'dir (1840–1917). Michelangelo ve Fransız Gotik'inden esinlenerek , akademilerde öğretilen katı düzenliliği ve klasik form kanonunu terk etti . Calais vatandaşları (1884-1886), geleneksel anma formüllerinin (kaide, pathos) terk edilmesinin başlıca örneğidir. Kahramanca başkalaşımın yerini, belagatli jestler ve ifadeler yoluyla yine de çözülmez bir grup oluşturan son derece bireyselleştirilmiş figürlerin saygınlığı alır. Cehennem Kapısı'nın kökenlerinin tarihi, görevlendirilmiş çalışmadan özerk yaratıma giden yolun canlı bir örneğidir. Rodin'in İzlenimciliğe atanması farklı şekilde değerlendirilir. Her durumda, kasıtlı bir ifade aracı olarak titrek, kabataslak yüzey işlemini (resimdekinden farklı olarak) kullanır. Kasıtlı olarak "bitmemiş", düzleştirilmemiş dış cephe, Rodin'in Avrupa heykelinde ilk kez resmi bir tema olarak gövdeyi bilinçli olarak seçtiği gerçeğine tekabül ediyor . Belçikalı heykeltıraş Constantin Meunier (1831–1905) için çalışmanın konusu öznedir. Kahramanları toplumsal bir suçlama olarak tasarlanmamıştır, daha ziyade gerçekçi bir şekilde tasvir edilen sembolik figürlerdir; onlar, zamanının aktif, yaratıcı insanlarının sahte kahramanlaştırma olmadan onurunu temsil ederler.

Rodin'den yaklaşık 20 yaş daha genç olan Aristide Maillol (1861-1944) bile , bunun üzerinde uyumlu, stilize edilmiş, sıkı bir şekilde yerleşik plastik formlar idealini temsil ediyor. "Organiğin tektoniğini yeniden görmek onun büyük sanatsal başarısıdır".

Modernitenin öncüsü
Gerçekçilik:
Honoré Daumier : Ratapoil, bronz, 1851, Frankfurt, Städel
Meunier: Dökümcü, bronz, 1886
Maillol: Çıplak (Venüs), bronz, 1900, Puşkin Müzesi , Moskova
Rodin: Şair Victor Hugo'nun büstü, 1900 civarı

20. yüzyıl

Almanya

Rodin Fransa'da heykelcilikte devrim yaratırken , Almanya'daki en önemli heykeltıraş olan Adolf von Hildebrand (1847–1921) , eserlerinde ve yazılarında açıkça sınırlandırılmış, sakin ve sağlam bir şekilde oluşturulmuş klasik ideali temsil etti. Wilhelm Lehmbruck'un (1881–1919) uzun figürlerinde, ifade etme iradesi ve bireyin her şeyi tektonik temelli formun amacına arka planda otururken, Ernst Barlach (1870–1938) insanları etkinlikleri ve duygularıyla azaltarak stilize eder. onları basit biçimlere dönüştürmek Bir "pelerin figürü" içine sarmak kasıtlı olarak bireyselleştirmeden vazgeçer ve onlara genel bir geçerlilik kazandırır. Bernhard Hoetger (1874–1949) ise daha çok yönlüdür. Rodin ve Maillol ile tanışmış ve Mısır, Gotik ve Doğu Asya önerilerini işlemiştir. Ressamlar Erich Heckel (1883–1970) ve Ernst Ludwig Kirchner ( 1880–1938) tarafından yapılan ahşap heykeller , genellikle dışavurumculuk olarak anlaşılan şeye daha da yakındır . Ressam-heykeltıraş Paul Gauguin'de (1848–1903) olduğu gibi, onun idol benzeri figürleri açıkça ilkel insanların heykellerine atıfta bulunur . Birinci Dünya Savaşı'ndan kısa bir süre sonra, Ewald Mataré (1887–1965) ve Gerhard Marcks (1889–1981) halka açıldı, ancak 1960'lara kadar son derece üretken kaldı. Her ikisi de hayvan heykeltıraşları olarak ortaya çıktı. Yaşlılar, blok benzeri ve süslemede kök salmış halde kalırken, küp ve yüzeyi bir birliğe getirmeye çalışırken, Marcks, çok Alman bir geleneği takip ederek, öncelikle erken Klasik nü figürler üzerinde çalıştı . Her ikisi de 1933'te öğretmenlik görevlerinden kovuldu. By Georg Kolbe daha iyi özellikle ilk dönem çalışmalarında; hafifliği ve müzikalitesiyle değerlenir, uyum anlaşılan (1877-1947). 1933'ten sonra “yorucu tekrarlar içinde savaşan atletik figürler ve Amazon benzeri kadınlar, ... kaslı lider hayvanlar” üretti. Josef Thorak ve Arno Breker , şiddetli kaslı uzuvlarıyla Nazi sanat ideologlarının ırksal idealine daha da yaklaştılar .

Almanya'da heykeltıraşlık, 1880-1970
Adolf von Hildebrand: Sonbahar, 1888, Münih'teki Lenbachhaus'ta kabartma
Lehmbruck: Diz çökmüş, 1911. Lehmbruck Müzesi Duisburg
Marcks: Aegina, 1966, bronz. Bremen,
Kolbe: Akşam, bronz, 1925. Ceciliengärten , Berlin

Fransa'da Kübizm ve Soyutlama

→ Ana madde Kübist heykel
Yeni bir gelişme için ilham resimden geldi. Pablo Picasso (1881–1973), 1907–1909 yılları arasında kadın başı “Fernande”yi yarattı, yönlü yüzeyiyle ilk Kübist heykel olarak kabul ediliyor. Aşağıdaki “analitik kübizm” çalışmaları, açıkça “analitik kübizm”in bu erken evresinin ötesine geçiyor. Perspektif kurallarının üstesinden gelmeleri, bileşimsel olarak eşdeğer boş alanların yerleştirilmesi, farklı malzemelerin kombinasyonu ve hepsinden önemlisi, tüm biçimlerin temel geometrik öğelere indirgenmesi, geçmişten kalıcı olarak koptu. Başlıca temsilcilerinden biri , Kiev'de doğan, sanatsal damgasını Paris'te alan, en önemli yaratıcı dönemini 1912-1915 yılları arasında orada geçiren ve 1923'te ABD'ye giden Alexander Archipenko'dur (1887–1964). Parisli Henry Laurens (1885–1954), kadın figürlerinin daha yumuşak, daha dolgun ve daha şehvetli hale geldiği 1920'lerin ortalarına kadar Kübist ilkeleri izledi. Laurens, bu yol ve heykelin temel sorunlarına ilişkin aşağıdaki tanımıyla, iki dünya savaşı arasındaki heykelsi hedeflerin gelişiminde bir baş kahramandır: "... mekanın ele geçirilmesi, boşluklar ve boşluklar aracılığıyla bir nesnenin inşası. ciltler, bolluk ve boşluk, değişimleri ve kontrastları, sürekli karşılıklı gerilimleri ve - nihayetinde - dengeleri aracılığıyla. ” Jacques Lipchitz (1891–1973) ile, yığılmış bloklarındaki figüratif yalnızca başlangıç noktasıdır, hedef değil. resim çalışmasından. 1913'ten itibaren (Picasso: Stilleben, Tate Gallery) çeşitli malzeme ve nesnelerden ilk montajlar yapılmıştır. Raymond Duchamp-Villon (1876–1918), dinamik, makine benzeri yapılarıyla hız ve hareketi tasvir etmeye çalışan fütüristlere yaklaştı . İtalya'da, Umberto Boccioni (1882–1916), bronz heykelin üç boyutluluğundaki birkaç heykelinde fikirlerini daha tutarlı bir şekilde uyguladı ve ayrıca bir fütürist heykel teorisi yazdı. Kübizm daha dar anlamda 1920'lerde tükenmiş olsa bile, sonraki gelişme (soyutlama, Dada, minimal sanat) için radikal önemi son derece önemlidir. Kübist heykellerin izleyicisi genellikle teknik, mekanik çağrışımları ilişkilendirirse, o zaman Constantin Brancusi (1876–1957) tarafından pürüzsüzleştirilmiş mermerden yapılmış şık yapılar ve Hans Arp'ın (1887–1966) yumuşakça şeklindeki “ betonlar ” tutarlı bir şekilde bağlı kalır. Organik'in özellikleri.

Fransa'da Kübizm ve Soyutlama
Boccioni: Uzayda Sürekliliğin Eşsiz Biçimleri , bronz, 1913
Laurens: Sabah, bronz, 1944, Bielefeld
Archipenko: King Solomon, bronz, 1963, Philadelphia

20. yüzyılda uluslararası heykel

Tüm formları temel geometrik öğelere kadar izleyen yapılandırmacılık , temsili olandan tamamen kopmuştur . Vladimir Tatlin , kardeşler (1885-1953) Naum Gabo (1890-1977) ve Antoine Pevsner'in (1884-1962) 1920'de sanatçı tarafından "Realist Manifesto" da yer aldığı Rusya'da 1913-1923 arasında doğdu. , yeni realitelerin yaratılması gerekli olmuştur. Hollanda'da, nesne icat heykel bu fikirlerin geldi meyve vermesi de De Stijl tarafından hareketin Georges Vantongerloo (1886-1965) ve Bauhaus tarafından László Moholy-Nagy (1895-1946). Kinetik heykelin tarihi konstrüktivistlerle başladı.
→ Ana madde Kinetik Sanat . Paris'te 1926–1933 yılları arasında kesin bir ilham alan bir Amerikalı olan
Alexander Calder (1898–1976), 1930'dan beri cep telefonlarını bir esintide hareket eden neşeli resmi oyunlar yaratmak için kullanıyor ve bir nesil sonra, 1950'den itibaren Jean Tinguely ( 1925– 1991) tuhaf makinelerini motorlarla hareket ettirdi.

Sanatın geleneksel içeriğinden ve görevlerinden daha tutarlı bir şekilde ayrılan bir başka gelişme çizgisi, Marcel Duchamp'ın (1887–1968) hazır- yapımları (1913ff.) ve Dadaistlerin objets trouvées'i ( Hans Arp , Max Ernst) ile başladı. ) (1891 –1976). Burada buluntu nesne ve malzemeler kullanılır ve sanat eseri ile meta arasındaki mesafe ortadan kaldırılır. Kavramsal sanat ve nesne sanatı , 1960'larda gayri resmi sanattan ayrıldıktan sonra burada yeniden toplanabildi .

İkinci Dünya Savaşı'ndan önceki ve sonraki on yıllar, hiçbir şekilde yalnızca soyutlamaya giden yol tarafından belirlenmedi. Figüratif heykel, faşist ve Sovyet diktatörlüklerinde özel bir seçenek olarak yaşadı , ancak diğer ülkelerde genellikle heykel geleneklerine yönelimden vazgeçti . Henry Moore'un (1898–1986) zengin eseri, doğaya yakınlık ve soyutlama arasındaki tüm sanatsal seçimleri gösterir. Tercih ettiği konu, sanki vücudunun yüzeyini modellemek için olduğu gibi, manzaraya olan ilgisine karşılık gelen yaslanmış figür. Heykellerinin yapıları, boşlukları ve boşlukları ile kabuk, taş, bitki gibi doğal oluşumlardan esinlenmiştir. Her zaman anlamlı bir şekilde yüklüdürler, asla saf form deneyi değildirler. Ülkesindeki bu en önemli heykeltıraş, İngiliz heykel geleneğinde pek sınıflandırılamaz. Ancak Paris sahnesiyle doğrudan teması olmaksızın Brancusi, Archipenko ve Picasso'dan ve zaman zaman Sürrealizm'den de etkilendi.

İtalyan Marino Marini (1901–1980) sanatsal yolunu 1928'de Paris'te buldu. Tanınmış binicilik tasvirleri, eskizler gibi kaba ve hırpalanmış görünüyor ve bu arkaik görüntü motifini kullanarak, zamanının belirsizlik ve isyan arasındaki bilinç durumunu ifade ediyor. Aynı yaştaki Alberto Giacometti (1901–1966) da 1922'de Cenevre'den Paris'e geldi. Onun teması aynı zamanda varoluşsal ıssızlıktır. Sürrealist başlangıçlardan sonra, 1940'larda saplantılı bir şekilde tekrarlanan motiflerini buldu: bir kısmı birbiriyle hiçbir ilişkisi olmadan mekansal olarak gruplandırılmış, bir kısmı gövde benzeri bacaklara ve ayaklara indirgenmiş, zayıflamış, aşırı derecede uzun, huysuz kaplamalı figürler.

Yapılandırmacılıktan şekle dönüş
Tatlin: Üçüncü Enternasyonal Anıtı için Model , 1919
Vantongerloo: 1919 civarında heykeller
Moore: İki Parça Yatan Şekil No. 5, 1963/64, bronz, Kenwood House, Londra
Calder: kırmızı diskli katlama, çelik, 1973, Schlossplatz Stuttgart

1950'ler uluslararası olarak soyut sanatın çeşitleri tarafından belirlenir. Taş ve bronza ek olarak, çelik artık heykeltıraşlar için popüler bir malzemedir. Julio Gonzalez (1876–1942), bu materyal üzerinde çalışmak için ölümünden sonra teşvik edici oldu. Calder'ın cep telefonları artık popüler hale geliyordu ve George Rickey'in (1907–2002) çelik iğneleri rüzgarda çok benzer bir şekilde hareket ediyordu . Demir heykelin ek bir üslup unsuru, uzaydaki hareketin ilişkilendirildiği çubuklar ve teller tarafından oluşturulan doğrusallıktır . Norbert Kricke (1922–1984), Hans Uhlmann (1900–1975) ve Vantongerloo bu yöne aittir. Diğerleri, Richard Serra (1939) veya Berto Lardera (1911–1981) gibi kesilmiş ve bükülmüş levha ve levhaları varsayar . Eduardo Chillida (1924–2002) kavisli çelik kirişlerden yapılmış anıtsal işaretler yarattı . 1950'lerde, merkezi Paris'te olan soyut sanat, heykelde önde gelen üsluptu, ancak 1960'lardan itibaren, tekrarlarla tükenen bu formlar dünyasına karşı bir hareket gelişti. "Grubundan başlayarak Nouveau Réalisme'in gelişmeler" led nesne sanat (örn. Gibi vaka görüntüleri hangi Daniel Spörri (1930 doğumlu) asılı bir tablo üstünde ve duvara anlık rastgeleliğine yapıştırılan nesneler) ve eylem sanat , örn. B. olaylar tarafından Kurt Vostell'in (1932-1998) ait siyasileştirmekle eylemleri Joseph Beuys'un (1921-1986) maddi ve sosyal gerçekliğe yeni yaklaşımlar. Beuys , performanslarını ve yerleştirmelerini , izleyicinin eylemlerini ve düşüncelerini içeren “ toplumsal heykel ” olarak anladı .

Aynı zamanda, 1960'larda Amerikan kültürel fenomenlerine olan ilgi arttı. Gündelik yaşam, tüketim, medya ve eğlence endüstrisi dünyası, giderek daha kritik koşullar altında, gerçekliğin estetik algılanmasının odağı haline geldi. Ortamları George Segal tarafından (1924-2000) ve daha da hiper gerçekçi senaryolar Edward Kienholz (1927-1994) ve Duane Hanson (1925-1996) tekabül etmek Fotorealizm boyayarak içinde . Claes Oldenburg (1929 doğumlu) ironik, anıtsal bir şekilde büyütülmüş gündelik nesneleri kentsel alanlara yerleştiriyor. AŞK heykelleri ve resimleriyle gerçekten son derece popüler olan Robert Indiana (1928 doğumlu) ile birlikte Pop Art'a da atfedilebilir. Bu arada, yine ABD'nin çeşitli soyut sanatlar olarak başlamasıyla ortaya çıkar, ancak önceki soyut dışavurumculuğun spontane üretim modundan farklı olarak Minimal Art on. Donald Judd'un basit küpleri (1928–1994), Dan Flavin'in çıplak neon tüpleri (1933–1996), Sol LeWitt'in mimari kafes yapıları (1928–2007), Walter de Maria'nın (1935–1913 ) arazi sanatı projeleri ), im Richard Serra'nın (1939) kavisli çelik levhaları da esasen üç boyutta ortaya çıkan ve kavramsal sanatla yakından ilişkili olan bu yöne aittir . Almanya'da , yaklaşımı taşın maddiliğine ve kurulum yerine atıfta bulunulmasına dayanan Ulrich Rückriem (1938 doğumlu) sayılabilir .

1968 civarındaki yıllar, politik bir yeniden yönelim dönemiydi, aynı zamanda sanatsal eğilimlere yeni bir yön verdi. Çoklu üretimin seri biçimi, baskı teknolojisinin yeniden üretim biçimlerinin plastik eşdeğeri olarak görülebilir, böylece sanatın demokratikleşmesine yönelik talepleri karşılar. Bireysel sanat eserinin aurası burada terk edildi. Oluşturma süreci, tamamlanan iş sonucunun yerini aldı. Sanatsal fikir ve işçilik ayrıdır. Bazı eserler yalnızca kavramsal bir karaktere sahiptir ; artık metin, heykel, grafik veya resim kategorilerine açıkça atanamazlar. Heykelin gelişimi burada bir kez daha sona ermiş görünüyorsa, sanatsal yeniliklerin tüm radikal konumlardan kaynaklandığı açıktır. Sadece bir tane Bunun örnektir ışık sistemleri tarafından James Turrell önemsiz uzam ve hacim tensel algı ile oynamak (doğum 1943).

20. yüzyılın ikinci yarısında stil çoğulculuğu
Soyut Dışavurumculuk
Kricke, Große Mannesmann , 1958–1961, Mannesmann House , Düsseldorf'ta
Pop Art
Oldenburg: Schaufel, 2001
Işık sanatı
Flavin: Bilim Parkı Gelsenkirchen'de ışık yerleştirmesi, 1996

dünya sanatı

Avrupa dışındaki kültürlerde (Uzak Doğu hariç), heykel, ressam ifade biçimlerinin eşdeğeri ile genellikle Avrupa'dan önemli ölçüde daha önde gelen bir role sahiptir. Fazlalıklardan kaçınmak için, bu nedenle, bir bütün olarak ilgili görsel sanatlara ayrılmış makalelere atıfta bulunarak (aşağıda "Ayrıca bkz." başlığı altında) burada bırakmak uygun olacaktır. Uzakdoğu sanatında ise heykel nispeten düşük bir statüye sahiptir, bu nedenle burada ayrı bölümler gereksiz görünmektedir.

kanıt

Bu makale geniş kapsamlı bir genel bakış olduğundan, doğrudan bağlantılı diğer makalelerde bulunabildikleri sürece tüm belgeler ve referanslar yeniden listelenmez.

↑ Sanat Sözlüğü. Cilt 5. Seemann, Leipzig 1993, s. 633 vd.
↑ Alman sözlükleri , burada ele alınan içerikle ilgili bir ana makale için sürekli olarak heykel veya heykel lemmalarından birini seçer , oradaki diğer terimleri (örneğin, heykel ) eşanlamlı olarak belirtir ve diğer anahtar kelimelerin altındaki referanslarla yetinir.
↑ 18. yüzyılın sonlarından beri ( Grimm Kardeşler'in Almanca sözlüğüne bakınız ).
↑ Nicholas Penny: Heykel Tarihi: Malzeme, Araçlar, Teknoloji. Seemann, Leipzig 1995.
^ Dürre, Lexikon der Skulptur, s. 365, 442, 139.
^ Dürre: Heykel Sözlüğü , s. 410 f.
↑ Yüksek kültür kavramı için bkz. DIE ZEIT dünya ve kültür tarihi. Cilt 1. Hamburg 2006, s. 247-260.
^ Dürre: Lexikon der Skulptur , s. 14-17.
^ Gisela MA Richter: Yunan Sanatının El Kitabı. Phaidon, Köln 1966, s. 72-112.
^ Gisela MA Richter: Yunan Sanatının El Kitabı. Phaidon, Köln 1966, s. 113 vd.
^ Gisela MA Richter: Yunan Sanatının El Kitabı. Phaidon, Köln 1966, s. 200.
^ Paul Zanker: Roma sanatı. Beck, Münih 2007.
^ Alfred Löhr: Karolenj ve Otton sanatı. İçinde: Bir Bakışta Bilgi - Sanat. Herder, Freiburg 1972, s. 555-559.
↑ Rupprecht, s. 15-17
↑ Rupprecht, s. 34–41
↑ W. Sauerländer: Orta Çağ heykeli , s. 92-109.
^ Willibald Sauerländer: Sens'ten Strasbourg'a: Strasbourg transept heykellerinin sanat-tarihsel konumuna bir katkı. Berlin 1966.
↑ Willibald Sauerländer : Orta Çağ heykeli. Ullstein, Frankfurt / M. 1963, sayfa 134.
^ Eva Zimmermann: Niclaus Gerhaert (ler) von Leiden. İçinde: Yukarı Ren'de Geç Gotik. Sergi kataloğu Badisches Landesmuseum Karlsruhe 1970, s. 90.
↑ Eva Zimmermann: Dangolsheimer Madonna'nın ustasının sorununa. İçinde: Yukarı Ren'de Geç Gotik. Sergi kataloğu Badisches Landesmuseum Karlsruhe 1970, s. 85 ff.
↑ Oymalı sunakların kökenlerinin tarihi için bkz. Norbert Wolf: Deutsche Schnitzaltär des 14th Century . Berlin 2002.
↑ W. Sauerländer: Orta Çağ Heykeli , s. 160.
↑ W. Sauerländer: Orta Çağ Heykeli , s. 161.
↑ Niccolo da Uzzano'nun büstü .
↑ Wolfgang Stechow : Apollo ve Daphne. İçinde: Warburg Kütüphanesi Çalışmaları. Cilt 23, Leipzig 1932. - Eserlerin ikonografik listesi: Andor Pigler : Barockthemen : 17. ve 18. yüzyılların ikonografisi üzerine dizinlerden bir seçki. Akadémiai Kiadó, Budapeşte 1956, yeni baskı: Budapeşte 1975, cilt 2, sayfa 27-29.
^ André Chastel : İtalya sanatı. Cilt 2. Darmstadt 1962, s. 160.
^ André Chastel: İtalya sanatı. Cilt 2. Darmstadt 1962, s. 160 f.
^ François Girardon, Louis XIV'in atlı heykeli için küçük bronz model, Paris, Louvre.
↑ İngilizce Vikipedi'deki Artus Quellinus II makalesine bakın .
^ Heinz Ladendorf : Andreas Schlueter. Büyük Seçmen için atlı anıt. (= Reclam'ın çalışma monografları. Reclam, Stuttgart 1961).
↑ Siegfried Asche: Permoser'in çalışmaları hakkında yorumlar. İçinde: Kuzey Almanya'daki Barok heykel. Sergi kataloğu Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg 1977, s. 183–196, burada 188.
↑ Sanat Sözlüğü. Cilt 1. Leipzig 1968, sayfa 407; Klaus Lankheit : Dünya Sanatı - Devrim ve Restorasyon. Baden-Baden 1965, s.80; Wolfgang Stadler: Heykel. Başından bugüne , s. 166.
↑ Klaus Lankheit: Dünya Sanatı - Devrim ve Restorasyon. Baden-Baden 1965, s. 96.
↑ Ratapoil = Louis Napoleon için Cumhuriyetçilerin nefret ettiği ajitatör tipi.
↑ Fransa'nın bu noktaya kadar yaptığı heykel bölümü, büyük ölçüde Klaus Lankheit'in sunumunu takip ediyor: Dünya Sanatı - Devrim ve Restorasyon. Baden-Baden 1965, s. 84-86.
↑ Werner Gramberg : JG Schadow, Prensesler grubu. (= Reclam'ın çalışma monografları. ) Stuttgart 1961.
↑ Kostüm tartışması : Çağdaş gazetecilikte , eski, "zamansız" veya çağdaş bir kostümün hükümdarlar ve şairler için anıtlar için daha uygun olup olmadığı sorusu üzerine anlaşmazlık.
↑ Stefan Dürre: Seemanns Lexikon der Skulptur , s. 188–191, bu paragrafın pasajları büyük ölçüde bunu takip etmektedir.
↑ Seemanns Lexikon der Skulptur, s. 200, Rodin'i karakterize eder, dolayısıyla Hofmann, s. 44, aksi bir görüşü haklı çıkarır.
↑ Seemanns Lexikon der Skulptur, s. 430 f.
↑ Hoffmann, s. 52
↑ Hofmann, s. 73
↑ Seemanns Lexikon der Skulptur, s. 289
↑ "Fernande" için resim
↑ ( Ivan Goll ), alıntı: Lexikon der moderne Plastik , Münih: Knaur 1964, s. 16
↑ Umberto Boccioni: Fütürist Heykelin Teknik Manifestosu , 1912
↑ şöyle Duchamp farkını açıkladı: "Benim readymades ile ilgisi olmayan nesne trouvé sözde bulunmuş nesne tamamen kişisel zevke göre yönlendirilir çünkü" . (Thiele'den alıntı, s. 123)

Edebiyat

Bireysel heykeltıraşların teorik yazıları için, Adolf von Hildebrand , Gustav Seitz , Max Bill , Karl Albiker , Henry Moore ve diğerleri hakkındaki makalelere yapılan referanslara bakın .