Rönesans müziği

Bu makale veya bölümün gözden geçirilmesi gerekiyor. Ayrıntılar konuşma sayfasında verilmelidir . Lütfen geliştirmeye yardım edin ve ardından bu bayrağı kaldırın.

Altında Rönesans müziği olarak da bilinen, Rönesans müziği , yani 15. ve 16. yüzyıllarda dönemi erken modern dönemde Avrupa müzik, ifade eder. Rönesans müziğinin dönemlerinin tam olarak sınırlandırılması veya müzikal özellikleri hakkında yapılan araştırmalarda fikir birliği yoktur.

Fransız-Flaman polifoni

Yaklaşık iki yüz yıldır, kuzeybatı Avrupa'dan besteciler, çok sesli müziğin gelişiminde öncü bir etkiye sahipti ve menşe bölgelerine göre, Fransız-Flaman müziğinden bahsediliyor . İlk ana temsilci Guillaume Dufay , Fransız, İtalyan ve İngiliz etkilerinin örnek bir sentezini yarattı. Tek cümleler veya gloria / inanç çiftleri kural haline gelmeden önce, ölçme döngüsü merkezi tür haline geldi. Genellikle ikinci en alçak ses, cantus firmus olarak zaten var olan bir ruhsal veya seküler melodiyi kullanır ; metni netleştirmeye hizmet edebilecek tam sesli ve 2-3 parçalı pasajların değişimi tipiktir. Zaten 14. yüzyıl Guillaume de Machaut can Isorhythmik of Ars- nova'nın ünlü sergisinde olduğu gibi - motet ölçüm setlerinde kullanılıyor. Standardizasyon, tüm ordinarium cümlelerinde ilk çubukları bir "slogan" ile aynı veya çok benzer hale getirme stratejisine hizmet eder .

Aynı nesil , Burgundian chanson'un en önemli temsilcisi olarak kabul edilen Gilles Binchois'den geliyor . Tarz ölçülü, şık ve metin yorumundan yoksun. Soprano ve tenor, kontratörün bir ton takviyesi olarak eklendiği doğru iki parçalı bir hareket oluşturdu. Çizgiler benzer şekilde yapılandırılmıştır ve melizmatik bir sonuca götürür .

Gelecek nesilde Johannes Ockeghem , bir nota anahtarı olmadan not edilen ve karakteri büyük ölçüde değişen farklı kilise modlarında çalışan bir Missa cuiusvis toni veya Missa prolationum'da bir dizi iki kişilik bir dizi oluşturarak kontrapuntal sanatları zirveye çıkarır . - bölüm kanonları, aynı notalarla ancak farklı anahtarlarla okunacak olan üst ve alt ses çiftlerini yazar ve üst üste asal, ikinci, üçüncü vb. gibi bir kanon üretir, böylece bir 2 çubuk üst üste bindirilir. 3 bar, böylece sesler dağılır, ancak yine de uyumun kontrapuntal kurallarına uyun.

Üçüncü nesilde 1500 civarında, varyetelerin ideali daha büyük bir netlik ve anlaşılırlıkla değiştirilir. Motetlerde, her metin satırı genellikle tüm seslerde dolaşan ( taklit ) bir motifle açılır . En önde gelen temsilci Josquin Desprez , müziğin içeriğine ve müziğe ayarlanmış metnin duygusuna yanıt vererek, kompozisyonların herhangi bir metinle altının kaplanabileceği bir uygulamaya karşı çıkıyor.

16. yüzyılın ikinci yarısında, bir yandan, Orlando di Lasso'nun erken bir çalışması olan Prophetiae Sibyllarum'da olduğu gibi, bir tür müzikal tavırlara doğru artan sayıda kromatik dönüş vardı . Öte yandan, bas temelindeki dördüncü ve beşinci basamakların hakimiyeti , Fransız-Flaman polifonisinin son büyük ustası Jan Pieterszoon Sweelinck'in 17. yüzyıldaki bir sonraki figürlü bas döneminin tonalitesine yol açmaktadır. Kuzey Alman org müziğinin modeli oldu.

Özellikler ve şekiller

Orta Çağ müziğinin yüksek ayrık sesleri, yani karıştırılmamış sesleri yerini tam seslere bırakmıştır. Beşinci ve dördüncü harmonikler , üçüncü ve altıncılara yol verir. Triad armonisinin gelişimi , daha önce alışılagelmiş olan birbirini izleyen bölümler yerine çizgiler birlikte başlatılarak hazırlanmaktadır. Karmaşık izoritmi biçimleri basitleştirilmiştir. Sayısal mistisizmi ve Hollandalı kanonlar içinde Fransız-Flaman müzik sonrası etkileri geç Gotik dönem .

Kilise modları sistemi, majör-minör tonaliteyi hazırlayan Aeolian ve Ionic'i içerecek şekilde genişletildi .

Fauxbourdon'un müzik besteleme tekniği , erken Rönesans müziğinin bir başka özelliğidir. Metinlerin anlaşılırlığını sağladı ve anlaşılması kolaydı.

Bir kompozisyonun öznel ifadesi, Orta Çağ'dakinden çok daha fazla serbest bırakıldı. Yalnızca bilgili dinleyicilerin algılayabileceği tek tek kompozisyonlarda bir ton sembolizmi yayılır.

Venedik'te, çeşitli şarkıcı ve enstrümantalist gruplarının farklı pozisyonları, boyutları ve kadroları aracılığıyla zıt etkilerin elde edileceği Venedik çoklu korosu ilkesi doğdu . Örneğin Giovanni Gabrieli , bu tarzın önemli bir temsilcisi olarak kabul edilir .

16. yüzyılın ikinci yarısında ses aynılığı edildi geliştirilen içinde Floransalı Camerata ; Sonuç müziğin yönünde Avrupa çapında bir kayma olduğunu ilk kez insan vardı için etkiler , bürünmüş içinde müzikal rakamlar merkez içeriği olarak.

Rönesans döneminde seslerin soprano , alto , tenor ve bas olarak ayrılması tamamlanmıştır. Koro ayarına eklenen bas bölümü ile ideal ses değişti ve dört bölümlü koro ayarı standart hale geldi.

Vokal müzik

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Hem polifonik hem de homofonik eserler Rönesans vokal müziğinde görülür .

Çok sesliliğin Almanca konuşan temsilcileri Ludwig Senfl ve Hans Leo Haßler idi ; Orlando di Lasso büyük ün kazandı . Rönesans'ta seküler müziğin en önemli biçimi olan madrigal de bu dönemde gelişti . Tipik bir Alman gelişmedir tenor şarkı hangi, melodi (genellikle ödünç bir halk şarkısı ) yalan bir şekilde Cantus firmus içinde tenor ve ustaca oynanan etrafında diğer tarafından sesleri (müzikal kelimeleri simgeleyen “madrigalism”).

16. yüzyılın ortalarından beri İtalya'da çeşitli müzik merkezleri vardı, bunlardan bazıları uzun süredir devam eden sanat çevreleri veya "okullar" şeklini aldı, örneğin Giovanni Pierluigi da Palestrina çevresindeki Roma Okulu , tınılarla deneyler yapan Venedik Okulu ve mekansal etkileri , ve Floransalı Crinoidlerin .

Enstrümantal müzik

Rönesans müziğinin odak noktası, çok sesli ( çok sesli ) sesli müziktir ; enstrümantal müzik başlar ile Conrad Paumann en fundamentum organisandi 1452 den.

Lute Oyuncu tarafından Caravaggio , 1595

Gelen kilise müziği başladı Organ kök almak. Notalar ve ders kitapları içeren organ kitapları ortaya çıktı. Belirli bölgesel farklılıklara sahip farklı ülkelerde, tablature adı verilen belirli bir organ notasyonu geliştirilmiştir. Eski ve yeni Alman organı tablatura , İspanyolca, İtalyanca, İngilizce ve Fransızca tablature formları oluşturulmuştur. İtalya 16. yüzyılda egemenliği ele geçirdi. At San Marco Bazilikası içinde Venedik organı müziğinin yeni formlar tanıtılmış ve yayılmış oradan: Toccata , Prelude ve Präambulum , Ricercar sonradan bir habercisi olarak füg , fantezi ve Canzona organists repertuarına alındı.

Çoğu zaman ortak ev aletidir ut ayrı parmak (Tablature) da geliştirilen kendisi için. Solo tezahüratlar ve topluluk parçaları eşlik etti ve ud için vokal çalışmaları da yeniden yazılabilirdi.

Avrupa'daki ilk büyük enstrüman geliştirme dalgası da Rönesans döneminde düştü. Ortaçağ enstrümanlarının daha da gelişmesine ek olarak, bu dönemde ilk kez birçok yeni enstrüman ortaya çıktı. Özellikle nefesli çalgılar, üflemeli çalgılar ve yaylı çalgılar artık kademeli vokal aralıklarındaki polifonik vokal topluluklarına dayalı olarak, yani üç veya daha fazla farklı şekilde ayarlanmış enstrümana sahip aileler olarak oluşturulmaktadır. 16. yüzyılın sonunda, birkaç sesle oluşturulmuş ve topluluk çalmaya uygun aşağıdaki enstrümanlar mevcuttur:

Enstrümantal topluluklar, parçanın gereksinimlerine ve mevcut müzisyenlerin sayısına göre bir araya getirilir. Enstrümantasyon genellikle belirtilmez. Yalnızca bir enstrüman ailesinden ve karışık enstrümantasyonlardan oluşan homojen enstrümantasyonlar oluşur. Karışık topluluklar aynı zamanda tulum , anahtar keman , hurdy-gurdy , lavta , arp , psalterium veya raf gibi ailelerde inşa edilmemiş enstrümanları da içerir . Kullanımı çarpıcı mekanizmaları sıktır. Doğal trompetler ve timpani için de bu enstrümanların ton beslemesine uygun müzik vardır.

Buluş müzik baskı ile Ottaviano dei Petrucci olduğu da Renaissance belirleyici .

Pierre Attaingnant , Jacques Moderne , Pierre Phalèse ve Tielman Susato'nun (ayrıca Terpsichore (Praetorius) ) dans kitapları (dans parçaları ve dans benzeri şarkı koleksiyonları) ve çeşitli enstrümanların müzik teorisi ve tanımları üzerine yazılar ortaya çıkar.

Rönesans enstrümanlarının çoğu 17. yüzyılda ortadan kalkmış veya değiştirilmiş olsa da, bazıları (örneğin dulcian ve viola da braccio) bugün hala kullanımda olan enstrümanların doğrudan öncüleri olarak kabul edilebilir.

sonradan

Rönesans'ın yerini , 1600 civarında İtalya'da başlayan Barok dönem aldı (bkz. Barok müzik ). Tarzdaki değişim , resitatif ve arya gibi orkestral formların ve opera , oratoryo ve cantata gibi daha büyük kompozisyonlarının geliştirildiği figürlü bas ve monodinin girişinde en belirgindir . Florentine Camerata'nın yenilikleri bu gelişmeler için çığır açıyor . Bununla birlikte, Rönesans döneminde ortaya çıkan temel müzikal kavramlar, polikoralizm gibi sonraki dönemlerde de kullanılmaktadır . Gerçek bir rönesans ılımlı tavrı Son yankıları için fanteziler da vardır viyol yoldaş ve Henry Purcell bulmak için.

Müzik tarihi eleştirisi

Hugo Riemann , Rönesans kavramını bir çağ kavramı olarak reddetti ve bunun yerine bir stil kavramı, yani “ onu taklit eden bir cappella tarzının müziği ” kullanıyor. Sanatların içsel bağlantısı, her şeyden önce görsel sanatlar ve mimarideki yeniliklerle karakterize edilen bir çağ kavramının müzik tarihine kolayca uygulanabileceği kadar belirgin değildir. Buna göre, barok müziğe " işlek çağının müziği" adını verdi . Ludwig Finscher bile 1989 müzik tarihi el kitabında Rönesans müziği terimini kullanmıyor ve bunun yerine "15. ve 16. yüzyıl müziği" nden söz ediyor . Laurenz Lütteken Music of the Renaissance çalışmasında farklı bir sonuca varır ; Bu çağda müziği ve müzik yapmayı Rönesans'ın önemli bir parçası olarak anlar ve bunları kapsamlı bir kültürel tarihe entegre eder .

Ayrıca bakınız

Edebiyat

Bireysel kanıt

  1. ↑ örneğin, rönesans müziği yıllığına bakınız .
  2. ↑ Örneğin, Arno Forchert : Madrigalizm ve müzikal-retorik figür. İçinde: JP Fricke (Ed.): Klaus Wolfgang Niemöller için Festschrift. Regensburg 1989, s. 151-169.
  3. ↑ Werner Keil : Müzik tarihine genel bir bakış. UTB 2012, s.17.